Oggi il nuovo direttore artistico di Sanremo 2025 Carlo Conti (al suo 4° mandato) ha presentato il regolamento per la selezione degli artisti che andranno in gara nella sezione “Nuove Proposte” della manifestazione canterina.

A luglio si aprono le iscrizioni

Le iscrizioni si apriranno dalle ore 16 del 10 luglio per chiudersi l’8 di ottobre. Potranno candidarsi artisti di età tra i 16 e i 26 anni compiuti. Nella prima fase è previsto l’ascolto e una iniziale selezione fatta dal Direttore Artistico insieme alla Commissione Musicale, da lui presieduta. In questo contesto verranno inizialmente definiti i 40 brani per le fasi successive della gara. Un’ulteriore selezione verrà effettuata con gli ascolti live (da svolgersi in Rai a Roma) dai quali, sempre usciranno 24 brani.

La fase televisiva tra novembre e dicembre

Da questo momento in poi si apre la fase televisiva. Che comprende quattro seconde serate su Rai 2 (12, 19, 26 novembre e 3 dicembre) nelle quali, ogni sera, 6 artisti proporranno dal vivo i propri brani. Solo 3 di loro per ogni puntata supereranno il turno, sempre attraverso il giudizio della Commissione. Il 10 dicembre sarà la volta delle “semifinali”: 6 tra i 12 giovani rimasti in gara (attraverso sfide dirette) andranno alle finali. Ai finalisti si aggiungeranno altri 2 artisti provenienti dal concorso “Area Sanremo” selezionati dalla Commissione musicale Rai.

A febbraio accederanno alla gara in 4

Gli ultimi otto selezionati si sfideranno, dal Casinò di Sanremo, in diretta in prima serata su Rai 1. Dalla finale usciranno i 4 artisti vincitori della selezione (3 provenienti da “Sanremo Giovani” e 1 da “Area Sanremo”) che si esibiranno nella categoria “Nuove proposte”, sul palcoscenico del Teatro Ariston durante Sanremo 2025, previsto dal 4 all’8 febbraio.

Una selezione che guarda al futuro

Così Conti argomenta la novità: “La reintroduzione della categoria “Nuove Proposte”, separata da quella dei Big è intesa a costituire un concreto momento di ulteriore valorizzazione dei giovani. Il modello che è stato individuato, e anche l’abbassamento dell’età anagrafica, serve infatti a costruire un percorso di crescita lungo tre mesi, tra i vari step di Sanremo Giovani. Il tutto finalizzato a individuare i potenziali Big del futuro attraverso la sfida nella categoria Nuove Proposte di febbraio”.

Se siete appassionati di musica e collezionismo, saprete che il vinile non è mai passato di moda. Anzi, negli ultimi anni ha conosciuto una nuova rinascita, grazie al suo suono inconfondibile e al suo fascino retrò. Ma quali sono i vinili più rari e costosi della storia della musica? E quali sono i fattori che ne determinano il valore? Scopriamolo insieme in questo articolo.

Beatles e Prince: i re del vinile.

Tra i dischi più ricercati e quotati dai collezionisti, ci sono sicuramente quelli dei Beatles e di Prince, due icone della musica pop. I Fab Four hanno stabilito il record assoluto con la prima copia del White Album (1968), appartenuta al batterista Ringo Starr e venduta all’asta nel 2015 per la cifra astronomica di 790 mila dollari, la più alta mai registrata per un LP. Si tratta di un’edizione numerata (0000001) e autografata dai quattro membri della band, che contiene anche alcune foto e poster originali.

Ma anche altri album dei Beatles sono molto ambiti dai collezionisti, come l’edizione giapponese di Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), con una copertina unica prodotta in poche copie, quotata a oltre 13 mila dollari, o il famoso “Butcher Cover” di Yesterday and Today (1966), con una foto controversa dei Beatles vestiti da macellai e circondati da bambole e pezzi di carne, ritirata dal mercato dopo le proteste dei fan e sostituita da una copertina più innocua.

Anche Prince, il genio di Minneapolis scomparso nel 2016, ha lasciato in eredità alcuni vinili molto rari e preziosi, come The Black Album (1987), divenuto un’icona tra i fan. Si tratta di un disco senza titolo né crediti, con una copertina completamente nera, che Prince decise di ritirare poco dopo il lancio a causa di insoddisfazione sul risultato finale e di una presunta esperienza mistica. Solo sei copie esistenti al mondo sono state salvate dalla distruzione e una di queste è stata ceduta nel 2018 per la considerevole cifra di 27.500 dollari.

Arte e musica: un binomio vincente.

Un altro fattore che può influire sul valore di un vinile è la sua copertina, soprattutto se realizzata da un artista famoso o con una grafica particolare. Un esempio emblematico è il caso delle creazioni di Andy Warhol, il padre della pop art, che ha disegnato le copertine di vari artisti, dai Velvet Underground ad Artie Shaw e Diana Ross. Tra queste, la più celebre è sicuramente quella della banana pelabile di The Velvet Underground & Nico (1967), valutata a circa 10 mila euro.

“Se solo le case discografiche avessero preservato quei bozzetti, oggi avremmo autentiche opere d’arte. Purtroppo, abbiamo perso tesori preziosi”, commenta Claudio Donato, proprietario del celebre negozio di dischi Goody Music a Roma. Ma l’incontro tra arte e musica non si ferma qui. Un esempio affascinante è il vinile Dedicato a de Le Stelle di Mario Schifano (1967), valutato a quasi 8 mila euro. Schifano, noto pittore e cineasta romano, era considerato il principale artista pop italiano, spesso paragonato ad Andy Warhol. Il disco contiene una serie di brani sperimentali, accompagnati da una copertina astratta e colorata, che riflette lo stile e la personalità dell’artista.

Curiosità ed errori: le sorprese del vinile.

Oltre alla data di pubblicazione, alla tiratura e al grado di conservazione, ci sono altri elementi che possono aumentare il valore di un vinile, come gli errori di stampa o le curiosità legate agli artisti. Un esempio di errore di stampa è quello dell’album Led Zeppelin III (1970), che in alcune copie presenta il titolo sbagliato sulla copertina posteriore (Led Zeppelin II) e sulle etichette dei dischi (Led Zeppelin IV). Questo disco è stato venduto per oltre 10 mila dollari.

Un esempio di curiosità è quello di Mina, la celebre cantante italiana, che all’inizio della sua carriera si faceva chiamare Baby Gate, per sfruttare la moda del momento. Il suo primo 45 giri, intitolato Non partir/Be bop a lula (1958), è stato pubblicato con questo pseudonimo e oggi è molto raro e ricercato, con una quotazione di circa 5 mila euro.

Perché collezionare vinili?

Le ragioni per collezionare vinili sono molteplici e spesso soggettive. Discogs, la piattaforma di riferimento per gli appassionati, individua alcune motivazioni di base. Innanzitutto, la qualità del suono, decisamente più calda e naturale rispetto a CD, computer e dispositivi mobili. Poi c’è il fascino della confezione: le copertine e il packaging possono fare la differenza, arricchendo l’esperienza con illustrazioni e testi. Un’altra motivazione più romantica è quella della ‘connessione’: estrarre un vinile dalla sua custodia e ascoltarlo su un giradischi può evocare ricordi più vividi, arricchendo l’esperienza musicale. Infine, acquistare vinili è anche un modo per sostenere gli artisti e la musica stessa, in un’epoca in cui il digitale ha reso tutto più facile ma anche più effimero.

Beatrice Quinta ha pubblicato il suo EP di debutto, “Devota”, dove affronta le ombre del passato e le esperienze di violenza subite da persone di cui si fidava. In un’intervista a Vanity Fair, Beatrice racconta come la creazione dell’album sia stata un atto catartico e di crescita personale. “Ci ho messo tutto l’amore del mondo”, spiega la cantante, “volevo sincerità ed emotività, mettere in luce le fragilità e mostrare una presa di coscienza delle cose spiacevoli che mi sono capitate.”

Un processo di consapevolezza e crescita

Beatrice sottolinea l’importanza di un’onestà totale con il pubblico. “Il mio messaggio è sempre stato: ‘Amati, sii libera’. Ma mi sono resa conto che non stavo raccontando tutta la storia. Amarsi è un lavoro che non finisce mai, e io volevo raccontare anche il ‘dietro le quinte’.” Le sue parole riflettono una profonda riflessione sulle relazioni abusive, spesso nascoste nelle dinamiche quotidiane. “Ho subito episodi di abuso da persone di cui mi fidavo, senza rendermi conto che si trattasse di abuso.”

Il coraggio di parlare

Nonostante la consapevolezza del femminismo, Beatrice ha tardato a parlare per paura dello stigma sociale. “Sapevo che a Palermo avrebbero liquidato certi episodi con frasi lapidarie. Ero più preoccupata di cosa avrebbero detto che di cosa ci fosse bisogno di dire.” La tragica vicenda di Giulia Cecchettin ha amplificato la discussione sulla violenza contro le donne, portando a una maggiore consapevolezza collettiva. “Dopo il femminicidio di Giulia, c’è stato un risveglio generale: ora nessuno può più ignorare la questione della violenza.”

La musica come terapia

Per Beatrice, la musica è stata una salvezza, un modo per trasformare il dolore in qualcosa di potente e liberatorio. “Ho sempre vissuto la musica come terapia: nelle fasi più buie sono nati i pezzi di cui vado più fiera. Il momento più bello è stato creare ‘Devota’, in cui racconto la mia fragilità, ma anche la mia forza.”